Sergio Blardony & Marta Azparren + Francesca Leoni & Davide Mastrangelo + Marc Vilanova
Sonologyst & César Naves + Noise Research & David Anthony Sant + Anaïs Lelièvre + Salome MC

Axial + Emma Bi + Breza Cecchini + Véronique Hubert + Zilan İmşik + Adam Mathieu
Mind Revolution (Ángel González & Eugenia Tejón) + Tamara Norniella

Del 3 de Marzo al 1 de Abril del 2017 - From March 3 to April 1, 2017
CMAE. Llano Ponte, 49 – Bajo. Avilés, Asturias (Spain)
De lunes a sábado, de 11.00 a 13.00 h. y de 18.00 a 21.00 h.

Dirección Jaime Rodríguez | Coordinación: Jaime Rodríguez & César Menéndez Naves
Texto / Autor © Jaime Rodríguez | Texto / Prólogo © César Menéndez Naves | Fotografías: © de los artistas
Promueve Ayuntamiento de Avilés & Fundación Municipal de Cultura de Avilés

El Nalón de Mind Revolution (Ángel González & Eugenia Tejón), 2016
Instalación sonora , 40:43 m | www.mindrevolution.es
http://lafronteraentrechinayparis.blogspot.com

Aller (à l'envers) de Véronique Hubert, 2014
Videoinstalación Fotogramas, 10’:22” | http://veroniquehubert.com/

ACTIVA
César Menéndez Naves

Aunque surge como un proyecto fin de master, ACTIVA se transforma en un ente con vida propia y que ha evolucionado, gracias a veces al propio Jaime Rguez y muchas otras incluso en su contra. En sus inicios, optamos por participar creativos de su entorno, y véase como entorno el digital, el de las redes sociales que facilita Internet, casi concretamente facebook, y de forma curiosa, fueron los músicos los mayores demandantes de participación, poniéndose en contacto con creadores visuales, que acompañaran y, en ocasiones, incluso potenciaran el trabajo de audio. Tal vez por eso los primeros festivales tenían un aire a “casero”, como una reunión familiar o de amigos. Pienso que afortunadamente esto se ha ido modificando a lo largo del tiempo

La amplia difusión que Jaime realiza del proyecto, favorecida por aquella que realizamos los propios participantes ha ampliado un poco el horizonte, que sigue siendo el digital, pero no ya tan cercano. También ha ido ganando peso entre los creadores visuales, que encuentran en ACTIVA, un formato asequible y con una recompensa, nunca monetaria, pero sí de difusión. Influye también el no sentirse juzgado por nadie ajeno a los propios participantes, ya que somos nosotros mismos los que valoramos las propuestas presentadas a este evento.

Por otra parte Jaime no sólo ha creado un proyecto atractivo para los participantes, lo ha hecho también así para los espacios, públicos o privados, que se han ido convirtiendo en la formalización física del proyecto. Y también esta parte ha sufrido una evolución, siendo las primeras exposiciones una mera proyección de los seleccionados, hasta la que nos reúne a todos en el CMAE, donde se amplia la participación a otros artistas que no participan en la sección oficial del festival, pero que por el carácter de sus obras mantienen un discurso particularmente relacionado con el mundo videográfico o sonoro.

Una peliculina de, Breza Cecchini, 2009
Video animación - site specific, 1’:35”
| brezacecchini@hotmail.com

Otro de los cambios es el tipo de trabajo que se presenta a ACTIVA; Jaime había pensado en el sound-videoArt, un nuevo concepto con el que intenta definir un tipo de trabajo, en el que el sonido y la imagen van de la mano, igual de importantes y cuyo todo es mayor que la suma de sus partes.

Aun así, los intereses de los propios participantes han ido trayendo más videoclip, más videoarte, lógicamente aceptados porque nunca un festival de arte, del tipo que sea, debería ser restrictivo; aunque yo mismo hubiera hecho una normativa probablemente más severa, y sin duda más rígida. Y supongo que éste es uno de los mayores logros de este festival internacional, que ha sido capaz de evolucionar, que ha sido flexible y que sigue a pesar de todo, cumpliendo uno de los objetivos más importantes para Jaime Rguez, y que no es otro que potenciar la colaboración, la generación de proyectos interdisciplinares y difundirlos, convirtiendo estos proyectos y estas exposiciones en alguna de sus mejores propuestas.

Libro objeto de Breza Cecchini, 2016
site specific, dimensiones variables
| brezacecchini@hotmail.com

 

Cartografías de Axial, 2016
Videoinstalación – ensamblage – dimensiones variables
| http://www.kaosart.org/axial/menu.html

Entre el contingente y lo intangible
Jaime Rodríguez

Volcado en el ámbito del video arte, Jaime Rodríguez aborda desde el ámbito de la dirección, la coordinación y la creación un acontecimiento artístico plenamente consolidado, que volcado de forma específica en el ámbito del sound-vídeoArt, profundiza en una dilatada línea de trabajo. Así, en su sexta edición, ACTIVA'2017 cuenta con estructura de festival ampliamente apoyada incluso en el ámbito internacional dado el importante número de trabajos de calidad provenientes de diversos países que se presentan a cada convocatoria desde que tuviera lugar la primera edición el año 2012.

CLOC lava en Islande de Anaïs Lelièvre, 2016
Sound-videoPerformance selected in ACTIVA’2017 – 03’:06” | www.anaislelievre.com

Desde más de la treintena de vídeo-creaciones que concurren a este evento, se han seleccionado únicamente cinco: Tracto de Sergio Blardony & Marta Azparren (Madrid), Equi-Librium de Francesca Leoni & Davide Mastrangelo (Italia), Monotape de Sonologyst & César Naves de Nápoles y Asturias respectivamente, Driven de Noise Research & David Anthony Sant (Australia) y Saxophone Miniature de Marc Vilanova (Barcelona / Basel) que se suman a otras dos obras adscritas a la categoría de artistas invitados y que esta vez se trata de la videoperformance CLOC lava en Islande realizada por Anaïs Lelièvre (Paris) y la obra titulada Concelment de Salome MC (Teherán, Irán).

A esta selección se suman un serie de artistas vinculados estrechamente a este evento como Zilan İmşik de Estambul y Adam Mathieu de Florida, así como a otros autores vinculados a diferentes hibridaciones plásticas unidas a la videoinstalación tal como los asturianos Axial, Breza Cecchini, Emma Bi, Tamara Norniella o la parisina Véronique Hubert y al arte sonoro de Mind Revolution (Ángel González & Eugenia Tejón).

El proyecto de la exposición puede ser calificado como interdimensional con cuestiones que se pueden describir como descriptivas y conceptuales, creando una serie de propuestas relacionales entre lo material y lo etéreo.

Concelment de Salome MC, 2013
Sound-videoArt selected in ACTIVA’2017 – 01’:47”
| www.salomemc.com

En este supuesto todo está relacionado, ya que los diferentes trabajos quedan asociados a los demás, formando múltiples costuras, y que a su vez, producen nuevos sentidos inéditos. Las piezas crean elipsis, espacios inéditos de reflexión que subyacen en el valor del conjunto, proponiendo nuevos recorridos por la realidad.

Este evento cuenta con la singularidad de vincularse a otro proyecto, Arte Alter, que da nombre al conjunto de la exposición y cuya intencionalidad es netamente patrimonial. Se trata de conformar una colección en que se integren las obras seleccionadas a través de un certificado de autenticidad y donación firmadas por cada uno de los autores. Estas obras suponen el fundamento de una colección que aúna diferentes disciplinas artísticas en las que destaca un fondo mayoritariamente implicado en el videoarte.

Alter ego de Tamara Norniella, 2016
Videoinstalación – medidas variables
| https://tamaranorniella.blogspot.com.es/

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Tracto de Sergio Blardony & Marta Azparren, 2012
Sound-videoArt selected in ACTIVA’2017 – 04’:58”
| www.martaazparren.es

EL VIDEOARTE EN RELACIÓN A LA CREACIÓN SONORA
Agentes de la experiencia audiovisual: referencias históricas

Desde los orígenes fechados en los años 60, de las primeras piezas de videoarte, creadas por Nam June Paik, hasta la actualidad, el videoarte ha evolucionado vertiginosamente, creándose diversas manifestaciones con características conceptuales y estéticas propias, bien diferenciadas. El videoarte se ramificó en diferentes tipos o estilos que crecieron y se fueron adaptando según el avance tecnológico en este campo. También se desarrollaron, de la misma forma, según las necesidades que iban surgiendo en cada momento. Llegando, actualmente, a la videocámara digital y a los nuevos recursos informáticos que facilitan la tarea de la creación en video. Desde el origen a la actualidad, unos se quedaron obsoletos, al igual que la estética que define una determinada época, ya que el mensaje de cada periodo o segmento temporal queda definido en sí mismo. Actualmente, las necesidades son otras, así como los materiales y medios. El mensaje y el objetivo resultan muy variados, siempre influenciados por el entorno.

El videoarte hizo posible preocuparse del contenido personal en vez de la acumulación de público, como dijo David Antin.¹ Actualmente, el arte, la música y la poesía se crean en un contexto tan radicalmente distinto al que predominaba a finales de los años 60, que ni siquiera Nam June Paik podría haber predicho el alcance de este cambio global en las relaciones sociales.

Equi-Librium de Francesca Leoni & Davide Mastrangelo, 2014
Sound-videoArt selected in ACTIVA’2017 – 04’:30”
| www.leonimastrangelo.com

El videoarte hizo posible preocuparse del contenido personal en vez de la acumulación de público, como dijo David Antin.² Actualmente, el arte, la música y la poesía se crean en un contexto tan radicalmente distinto al que predominaba a finales de los años 60, que ni siquiera Nam June Paik podría haber predicho el alcance de este cambio global en las relaciones sociales.

 

Desde el videoarte minoritario hasta el videoclip comercial de los mass media.

A partir del uso del video surgen diferentes propuestas autofinanciadas o institucionalizadas, en las que la hibridación entre sonido y arte visual, de carácter experimental, se ha llevado a cabo en los últimos años. Pictoplasma es un festival alemán donde se encuentran lo mejor (artistas y estudios gráficos) a nivel internacional de la animación contemporánea, con un enfoque especial en los nuevos caracteres animados. Y que están, en ocasiones, fuertemente relacionados con la música.

Por lo que se refiere a la autoedición, nos encontramos con creativos en los que se funden ambos campos de actuación, como es el caso de la obra Ethic blues, de Nosesoul, que ha publicado, bajo el sello Silentes, una edición en DVD, con la colaboración de Francesco Paladino.³

Driven de Noise Research & David Anthony Sant, 2014
Sound-videoArt selected in ACTIVA’2017 – 04’:36”
| https://electronicmusik.wordpress.com/ | https://vimeo.com/davidanthonysant

Se da el caso, en el que la iniciativa parte de los artistas visuales y piden la colaboración de artistas sonoros. Es el caso concreto del colectivo berlinés de videoartistas Transforma y el compositor de San Francisco, O.S.T., que ha publicado varios discos entre la IDM más exploradora y el ambient. Este DVD, titulado Sinken, es producto de una intensa colaboración donde los primeros aportan sus imágenes fantasmagóricas y poéticas y el compositor se integra, acoplándose con cuidado a las imágenes.

El sound-videoArt, tiene sus inicios a mediados de los años 70, antes de que estas producciones artísticas derivasen hacia su pretensión más comercial y que fue denominado, posteriormente, videoclip musical, diferenciándose de este último en su carácter más experimental y creativo, mientras que el videoclip surgido a partir de este tiene como objetivo fundamental la difusión comercial y de la imagen del músico o cantante hacia un público mayoritario. En este apartado, el artista polifacético Derek Jarman (1942 – 1994) ha sido el promotor primero de la creación audiovisual artística más seria y experimental con el grupo Coil⁴ y posteriormente se fue apartando de esta estética para servir a distribuidoras exclusivamente comerciales para grupos como The Smiths, Peet Shop Boys, entre otros. Pero debemos destacar su génesis como un aporte fundamental a lo que posteriormente sería el video experimental, partiendo del sonido o viceversa.

Saxophone Miniature de Marc Vilanova, 2015
Sound-videoArt selected in ACTIVA’2017 – 01’:16”
| www.marcvilanova.com

En la actualidad, podemos encontrar diversos creativos visuales y sonoros que colaboran de una forma interrelacional. Generalmente, se trata de músicos experimentales de primera fila, que trabajan junto a artistas visuales a partir del sonido, de muy diferente índole, definidos por el genero musical que se utiliza: IDM, ambient, EBM, electro, minimal synth, avant techno, exploradores, experimentales, noise, minimal beats, industrial, indietronics, música contemporánea seria. Es el caso de Russel Haswell y Florian Hecker, Thievery Corporation, Alva Noto, John Duncan, Francisco López, Asmus Tietchens, Klaus Schulze, Michael Mantra, Moderat, Minilogue, Mark Fell, VNV Nation, Schlammpeitziger, entre otros.

En esta línea experimental, que explora la creación sonora y la imagen en video, cabría destacar la labor de Optofonica, una plataforma de arte-ciencia inmersivo⁵ situada en Amsterdam y dirigida desde su creación en 2006 por Maurizio Marttinucci (alias TeZ y miembro del dúo M.S.B) que publicaron un DVD en el sello LINE donde tratan de estimular la investigación combinada de la especialización del sonido con la inmersión sinestésica.

Otros proyectos de similares características nacieron simultáneamente, intentando combinar los medios de expresión entre sonido y videoarte. Cabría destacar, bajo una perspectiva más personal, la labor de ciertos artistas visuales que trabajan en colaboración con otros artistas sonoros. El ejemplo más notorio es el tándem formado por Chris Cunningham y Aphex Twin. La adopción de sintetizadores y software por parte de éste último se adelantó a la popularidad posterior que llevó a la generalización del uso de ordenadores para crear música. Entre mediados y finales de los 90 se hizo más popular con un buen uso del mainstream,⁶ destacando algunas piezas como Come to Daddy (1997), Windowlicker o Nannou (ambos de 1999), dirigidos por el artista Chris Cunningham, y que provocaron cierta controversia por sus imágenes perturbadoras, pero estas dos obras, basadas en la técnica DSP (procesamiento digital de señales), consiguieron introducirse en los mass-media al emitirse por la MTV y convirtiéndose en la sintonía de revistas como NME⁷ (New Musical Express).

Escultura y libros de artista de Breza Cecchini, 2016
Videoinstalación - Site specific, Medidas variables
| brezacecchini@hotmail.com

Otros artistas combinan ambas disciplinas, entre los que cabe destacar a Ryoji Ikeda. Establecido en Nueva York es uno de los compositores de música electrónica más importante de Japón. Su obra se concentra en las minucias del ultrasonido, así como con las frecuencias y características esenciales del mismo, explotando su causalidad con la percepción humana y las matemáticas, como música, tiempo y espacio. Utilizando computadoras y tecnología digital hasta el propio límite, Ikeda ha desarrollado unos particulares métodos para la composición e ingeniería del sonido. A parte de componer, también ha trabajado en instalaciones audiovisuales como las aclamadas spectra II (2002) y prototype (2007). Ikeda ha llevado a cabo otras colaboraciones con personajes como el coreógrafo del Frankfurt Ballet, el artista contemporáneo Hiroshi Sugimoto, el arquitecto Toyo Ito y el colectivo artístico Dumb Type. Su trabajo entronca directamente con el “Arte Postdigital”. En su artículo “Estética del fracaso: tendencias postdigitales”, publicado en el año 2000, el estadounidense Kim Cascone, compositor de música electrónica, describe lo que él considera una línea postdigital en la música, conocida normalmente como música de error. El de postdigital se convierte así en uno de los conceptos que se han incorporado más recientemente al discurso de las prácticas artísticas digitales. Esta estética se desarrollo en parte por los errores, virus, distorsiones o incompatibilidad de sistemas. Ya recurrieron en su momento al error, al fallo, entre otros, el pintor húngaro Laszlo Moholy-Nagy y músicos como John Cage. En los últimos años, el productor Ryoji Ikeda mostró nuevos territorios a explorar. En una de sus últimas videoinstalaciones interactivas se define como “una plataforma viva dedicada a la difusión postdigital entendida como toda manifestación artística en cuyo proceso interviene la tecnología digital, pero desde la perspectiva de su transformación en un valor emocional”.⁸

Carsten Nicolai, más conocido como Alva Noto, es uno de los nombres más respetados en la escena de la música avanzada, que trabaja en diversos proyectos con música programada y módulos audiovisuales para la sincronización en tiempo real del sonido y la imagen. Como artista visual, trabaja usando los principios de la cimática ⁹ para visualizar el sonido. Las creaciones de Nicolai están formadas por una convergencia del sonido, pintando y esculpiendo esos resultados en instalaciones y explorando la idea de la creatividad filtrada a través de sistemas modulares y diferentes códigos.¹⁰ Se trata de uno de los creativos más prolíficos que destaca por su intensa colaboración con otros artistas visuales y sonoros como el ya citado Ryoji Ikeda, Frank Bretschneider, Olaf Bender, Ruyki Sakamoto y Markus Heckerman.

En el marco español ya existen numerosas colaboraciones entre artistas sonoros músicos experimentales y creativos visuales. Entre ellos subrayar la aportación prolífica del creativo Francisco López¹¹ (Madrid, 1964) uno de los principales exponentes de la música experimental y electroacústica desde 1985. Ha creado un impresionante universo sonoro absolutamente personal, editando una gran cantidad de discos (más de 30) con compañías de más de 50 países y realizado multitud de conciertos e instalaciones sonoras en los cinco continentes, incluyendo alguno de los más importantes museos, galerías y festivales internacionales. Entre sus múltiples premios cabe destacar la mención honorífica en el Ars Electronica Festival de Linz, en 3 ocasiones, 1999 – 2002 – 2007, y el premio del concurso de arte sonoro Broadcasting Art del MUSAC en 2006. Su nuevo trabajo, Köllt-kulu, nos muestra su colaboración con el videoartista Jorge Simonet que consiste en dos piezas que integran sonido y video, partiendo de grabaciones de campo de diversa índole y que consiguen crear una obra híbrida entre la imagen y el singular y amplísimo mundo sonoro.

WMF- G de Emma Bi, 2016
Serie de dos fotografías 15 x 22 cm, enmarcadas 30 x 40 cm Impresión digital en papel algodón, 310 g
Instalación: calentador de té estilo Jugendstil con cuatro placas de litofanía WMF,G
(Württembergische Metallwarenfabrik, Geislingen an der Steige), Alemania. Las marcas de la pieza la datan entre 1910 y 1918
http://www.emmabi.com/

Ann Deveria se encuentra entre los artistas sonoros que integran ambos campos de la creatividad. En Suroeste se incluye su primer trabajo audiovisual en formato DVD, marcándose como uno de los mejores exponentes de la electrónica más reciente realizada en España. En esta obra nos ofrece un delicado equilibrio entre imagen y música digital minimalista con instrumentos acústicos, que revelan un estilo personal caracterizado por una cuidada sensibilidad.

Feelings of Persecution de Zilan İmşik, 2016
videoArt – 04’:55” | zilan.imsik@gmail.com

Los artistas asturianos •tape• (Daniel Romero) y Fernando Gutiérrez han participado en ARCO 2012 con una intervención artística en el stand de Abc. Su obra Rapsodia se trata de una propuesta envolvente que combina lo sonoro con lo visual, para crear un universo hipnótico. A mitad de camino entre la animación interactiva y el arte generativo •tape• es un músico cuya obra se desenvuelve en el campo de la música electrónica y el arte multimedia. La poética de Fernando Gutiérrez se resume en una redefinición del dibujo, en sentido expandido, aunando la simplicidad del trazo desnudo con la complejidad y sofisticación que le aporta la tecnología.

BQW- 3D de Emma Bi, 2016
Impresión digital en papel algodón, 310 g|
Instalación: Placa de litofania BQW- 3D (impresora BQ Witbox en 3D)
http://www.emmabi.com/

 

VIDEOARTE vs. SOUND-VIDEOART.
La hibridación artística de la composición sonora y la imagen en movimiento.

No cabe duda de que lo que hoy llamamos videoarte comenzó a ser usado por los artistas hace cinco décadas y desde entonces muchas cosas han cambiado. Desde un marcado carácter autorreferencial y experimental en el que se reflexionaba sobre el propio medio de una forma modesta y casi rudimentaria, hasta acontecimientos elitistas o “marginales” pensados solo por unos pocos. La primera exposición que propuso una relación entre lo sonoro y lo visual fue For Eyes & Ears (Para los ojos y los oídos), en Nueva York, 1964, con objetos sonoros de Marcel Duchamp, Man Ray, audioinstalaciones de Rauschenberg y obras cinéticas y sonoras de Jean Tinguely. También está documentado que se empleó la expresión “arte sonoro” para representar una muestra titulada precisamente Sound/Art (Nueva York, 1983). Como afirmaba recientemente Matt Black, integrante del dúo Coldcut, “somos criaturas audiovisuales. Tenemos ojos y orejas que nos dan un montón de información combinada que es mucho más poderosa que separada”.¹²

Monotape de Sonologyst & César Naves, 2015
Sound-videoArt selected in ACTIVA’2017 – 04’:30”
https://sonologyst.bandcamp.com/ | http://noterustas.blogspot.com.es/

En la actualidad el videoarte se reafirma en un terreno de gran complejidad que permite a los artistas moverse en el límite de la realidad y la ficción, rompiendo géneros, quebrando soportes.¹³ No se trata de reflexionar ampliamente sobre estos planteamientos, sino, más bien, introducirnos en un ámbito semiótico que defina las características básicas de lo que se vendrá a denominar con el término genérico sound-videoArt, una obra que surge a partir de la interacción o hibridación de una composición sonora de carácter experimental y una video-creación, que da soporte visual a ese sonido; caracterizándose por su carácter multidisciplinar independientemente del número de creativos que participen en su proceso de creación y su carácter monocanal, como categoría más específica y económica en cuanto a forma de distribución y de difusión.

A diferencia de lo que criticaba Allan Kaprow,¹⁴ esta categoría aporta un grado de experimentalidad que se va retroalimentando a partir de los nuevos medios tecnológicos y va en creciente progreso, que permite cambios internos y externos a las obras, descubriendo otras formas de expresión. Que existan unas limitaciones en cuanto al soporte no significa que dicha forma artística tenga que someterse a los elementos estructurales del arte institucionalizado. Aún cuando la versatilidad del término videoarte sigue siendo bastante polémico, sí existe una necesidad de diferenciar “genéricamente” este modelo de creatividad no solo por su génesis argumental, sino también para desenmarcarlo del paralelismo que se puede establecer entre este tipo de creaciones con el masivamente llamado “video clip” musical que tiene un claro componente comercial y que satisface la demanda de un mercado consolidado con el fin de publicitar y difundir la carrera de un grupo musical o un cantante.

En la actualidad, este es el campo de cultivo sobre el que se germina un proceso de creación artístico de carácter híbrido, basado sobre todo en la colaboración de diferentes disciplinas especializadas (multidisciplinariedad), e incluso la propia creación “amateur”, pues los medios cada vez están más al alcance de todo aquel que disponga simplemente de un dispositivo informático y una conexión a la red.

En este contexto de libertad y de diálogo surgen prácticas artísticas paralelas, que se pueden independizar de cualquier influencia contextual y que le pueden exigir cualquier análisis de corte esencial o formalista.¹⁵ La hibridación de las prácticas videográficas en el campo del arte busca cierta especificidad y se ligan al panorama social y estético de su época. Partiendo de esta premisa, el sound-videoArt responde perfectamente a estas circunstancias.

Existe una necesidad de conceptualizar el término sound-videoArt para conservar un espacio de autodefinición que le ofrezca un lugar propio dentro de la heterogeneidad que como entidad globalizadora se le atribuye a los audiovisuales en general, y al videoarte en particular.

Las características intrínsecas del sound-videoArt se dejan llevar, generalmente, por una economía de medios, basados en unos bajos presupuestos de creación y de distribución que les condicionan adoptando un modus operandi con unas características afines como la utilización de una proyección monocanal a través del monitor y el espacio virtual como campo de experimentación en el proceso de creación, en el cual diferentes creativos, con parecidas inquietudes pueden trabajar de una forma conjunta. El análisis de numerosas obras demuestra que estas pueden desbordar los límites territoriales de cada arte, jugando con el diálogo y la confrontación, para poner en entredicho los límites del propio concepto de arte.

Écritures de Véronique Hubert, 2015
Técnica mixta sobre papel- 50x100cm
| http://veroniquehubert.com/

Al igual que otras prácticas videográficas, más en este caso, las “imágenes en movimiento” o los nuevos medios partiendo de la experimentación sonora ilustran la composición musical más alternativa y de vanguardia. Igualmente en este proceso, se independiza del carácter esteticista y comercial que marcan las modas del comúnmente llamado videoclip y el sound-videoArt intenta olvidarse de la compleja red perceptiva que le une a otros fenómenos similares para dejar de tomarlo como modelo negativo e independizarse por fin de estos lazos comparativos.

El soporte digital es el terreno donde todos los elementos que lo conforman se acercan, convergen y se fusionan. Mediante esta investigación y selección, se ha podido discernir una gran cantidad y calidad de videos que siguen una línea de proyección específica que puede crear una sección exclusiva dentro del mundo del videoarte; ya que bajo este último epígrafe no parece hacerse distinción alguna de las piezas que la integran, a pesar de las diferentes características formales que las conforman.

Por el momento, somos capaces de distinguir videoperformance, videoacción, videoinstalación, video-escultura, videoclip, etc., pero hasta el momento no existe ningún término que pueda definir la hibridación de diferentes manifestaciones artísticas en una sola obra que se propone como superposición multidisciplinar o en un proceso creativo en la que varios artistas trabajan en una única obra.

El término sound-videoArt pretende dar un nuevo concepto a las obras digitalizadas en las que se combina la creatividad sonora musical y la imagen en video, generando una simbiosis que se muestra como un lienzo audiovisual en movimiento. ¹⁶

Cartografías de Axial, 2016
Videoinstalación – ensamblage – dimensiones variables
http://www.kaosart.org/axial/menu.html

Internet y las Redes Sociales como espacio de difusión del sound-videoArt
SU RECONTEXTUALIZACIÓN EN OTROS ESPACIOS

Para analizar estos procesos de creación colectiva se ha de entrar a valorar el cambio estructural y de transformación que las nuevas tecnologías de la información y la comunicación,¹⁷ han generado en nuestras vidas. También es necesario observar como estos cambios moldean la acción social, la experiencia humana e influyen en el proceso de trabajo individual y colectivo.

En el espacio virtual en relación al fenómeno de las tecnologías de la información y la comunicación (TIC) se encuentra el ámbito y el proceso de creación del sound-videoArt a través de complejas redes sociales que tejen numerosos grupos y comunidades con unos intereses comunes y una inquietud por la libre creación artística, que se centran en los aspectos internos, estéticos en lugar de prestar atención a las cuestiones éticas que generan. En la teoría de los nuevos medios se ha acuñado el término de “medios tácticos” ¹⁸ para referirse a este tipo de propuestas: se trata de sistemas muy simples de utilizar y desarrollar como facebook, myspace, twitter, etc., que se han convertido en un conjunto de sistemas sin una jerarquía clara, centralizados, abiertos a todos los interesados, sin ninguna institución detrás, y donde los moderadores hacen simplemente una labor técnica de mantenimiento, eliminando el spam y aquellos mensajes o publicaciones que se suponen que no tienen nada que ver con el tema.

La verdadera revolución cultural de Internet es la creación colectiva. El centro de la cultura ha dejado de ser el autor, el artista, para pasar al espectador. Las obras artísticas de la cultura digital ya no se construyen de forma individualista si no de una forma colectiva y “organizada”. El artista deja de ser creador estricto para convertirse en productor, lo que implica repensar conceptos claves de la cultura como el concepto de creatividad.¹⁹ Y en las redes sociales de Internet es donde se generan los grupos que hacen posible la creación y difusión del sound-videoArt.

El proyecto ACTIVA se postula como una plataforma desde la que tratar un fenómeno como el sound-videoArt, un “programa” donde el pluralismo ofrece diferentes opciones y hace posible su materialización, no sólo a través de la red, sino también, logrando plasmarse físicamente en un evento artístico cultural que pueda trasladarse a cualquier encuentro o espacio expositivo público o privado. Marcel Duchamp, precursor donde los haya, afirmó en 1917 que “cualquier objeto recontextualizado puede ser arte”.²⁰ Casi un siglo después, es lo que intentan artistas sonoros y visuales para recontextualizar espacios identificados con una actividad concreta, cambiando con sus intervenciones la percepción del espectador.

De todas formas, no debemos negar en la génesis de este proyecto, la importancia demostrada de los vínculos virtuales a través de la red, gracias a los nuevos medios y al progreso, cada vez más efectivo, de la comunicación interactiva entre diferentes creativos, independientemente de las fronteras geográficas y los obstáculos espacio temporales.

Cartografías de Axial, 2016
Videoinstalación – ensamblage – dimensiones variables
http://www.kaosart.org/axial/menu.html

Este nuevo medio plantea las posibilidades de recuperar la antigua función del arte para reflejar las formas de sentir y experimentar que comparte toda la sociedad. No se trata de uniformizarlas en cánones, como en el pasado, sino de facilitar la manifestación y el intercambio de percepciones e inspiraciones más diversas y a veces relevantes que tenemos. Cuando se pueden expresar, se crea una verdadera polifonía cultural de participación colectiva. Uno de los recursos más revolucionarios para ello es la posibilidad que ofrece Internet de reconvertir al artista en productor de herramientas que permiten al público participar en esta creación colectiva.²¹ Pero las posibilidades no se limitan solamente al arte; Internet facilita también la cooperación y discusión en el campo de las ideas. Por eso, en este proyecto se podría extender el horizonte de la creación colectiva a otros muchos temas de la cultura digital, como la interactividad, la inteligencia artificial o las posibilidades de programación de talleres virtuales.

 

sound-videoArt
La confusión de los géneros y métodos de clasificación en el Videoarte

Para comenzar a diferenciar el término sound-videoart de su posible homónimo videoclip musical, debemos hacer referencias a las transformaciones del primer término que lo define: el sonido o la composición sonora. No se trata de algo explícitamente nuevo, sino que hay que buscar en algunos de los antecedentes de la música electrónica, tal y como la conocemos hoy. Hay que buscarlos en Berlín a finales de los años sesenta y principios de los setenta, con los sintetizadores de Edgar Froese y Klaus Schulze. Paralelamente, el grupo Krafwerk divisaba el horizonte musical desde su observatorio, Kling Klang, en Düsseldorf. Más tarde, en los noventa, llegaría Transmediale, el festival transversal de cultura audiovisual que se ofreció a acoger aquellos artistas que no encajaban en la Berlinale. Además, echaría raíces en la ciudad su legendaria cultura de clubes. Surgía la Berlín-Transmediale. Podemos observar en sus inicios la necesidad de un vínculo entre imagen y sonido que no podemos obviar.

Además del concepto ya descrito anteriormente del Arte Postdigital en la simbiosis compositiva experimental entre sonido e imagen, estamos obligados a mencionar otra serie de términos más o menos próximos como el Arte Generativo que se evade de los condicionamientos tradicionales: “Ni pincel ni cincel, algoritmos”.²² Esa parece ser la consigna fundamental de los artistas generativos, para crear imágenes y sonidos que puedan ser aleatorios y únicos. El Arte Generativo, también conocido como software Art, es una metodología del arte digital que ofrece la posibilidad de generar una obra por medios informáticos, a partir de unos parámetros variables establecidos previamente por el artista. En los últimos años ha sido reivindicada por artistas tan diferentes como Brian Eno o Joshua Davis.

La introducción simbiótica de la imagen en relación al sonido y, denominada primeramente como audiovisual, se fue ramificando en una serie de géneros o pseudo géneros que ha pasado por numerosas formas de presentación o representación del sonido. Desde el videoclip comercial, hasta el “sound-videoArt” que se desarrolla en la actualidad, pasando por todo el fenómeno Vj. Pero en última instancia, el sound-videoArt se trata de una híbrida en la que artistas de diferentes disciplinas se unen para la creación obra híbrida o colectiva. Su mayor medio de difusión se encuentra en los foros que facilita la comunicación a través de Internet y se muestra de una forma libre y “altruista” que en muy escasas ocasiones se atribuyen una licencia legal de intermediarios entre el creativo y el público. La licencia cc. “creative commons” suele ser la mayor restricción que se puede encontrar para la utilización de estas piezas. El creativo visual utiliza también otros espacios en la red que permite la difusión gratuita como el que ofrecen algunos portales: vimeo y youtube, son los más utilizados.

Taking Down the Pole that Killed My Brother de Adam Mathieu, 2016
Sound-videoPerformance - 10’:22” | http://adammathieuphoto.tumblr.com/

Los numerosos festivales internacionales de videoarte surgen por toda la geografía mundial y en estos se introducen sin diferencia algunas piezas cuyos criterios creativos no pueden ser evaluados desde el mismo punto de vista. En este conglomerado de la creación monocanal surge la polémica de diferenciar las obras del sound-videoart como un “género” incompatible de valorar respecto a otras manifestaciones que se incluyen en el mismo epígrafe, compitiendo de alguna manera con la videoperformance, la videoacción, la videoinstalación, o el generalizado videoarte. Se podría plantear una clasificación diferenciada, y en esto parece que están de acuerdo todos los especialistas que integran el dilatado mundo del videoarte. Artistas, críticos, coordinadores, comisarios, teóricos e historiadores del arte, incluso directores de diferentes centros de arte contemporáneo.

PPM- 528 de Emma Bi, 2016
Serie de cuatro imágenes 19 x 15 cm y una imagen 29 x 21 cm
Fotografía y Transfer sobre papel acuarela Saunders Waterford, 350 g
Coloración con pigmentos minerales
Instalación: Placa de litofanía PPM-528 (Prensaich Porzellan Manufactur). Plaue, Alemania 1840. Tamaño: 9,3 x 7,8 cm
Iluminación con vela en la parte posterior, del mismo modo que se utilizaba originalmente como parte de una lámpara del siglo XIX
http://www.emmabi.com/

La dificultad no estriba en los elementos que caracterizan este tipo de creaciones, sino más bien en el término que se debe acuñar para diferenciarlas de alguna manera con el resto de producciones videográficas. La utilización del término “sound-videoArt” se trata de una aproximación no hermética, sino abierta a nuevas formas que logren puntualizar o modificar esta denominación lingüística. La primicia distintiva surge de la utilización del “sonido” (sound) en primer lugar, como principio que genera la creatividad de otras disciplinas que colaboran para una difusión más artística: videoartistas, performers e incluso la introducción del texto escrito y verbal que comienza a incluirse en esferas próximas a este motor de creación. Muchas otras disciplinas intentan aproximarse a esta fusión, incluyendo las formas de expresión plásticas más tradicionales, como el dibujo y la pintura, logrando en forma de animación sumarse al trabajo de una programación de edición informática que une la contribución de cada uno de ellos para elaborar un solo objetivo: la creación de una obra híbrida.

La utilización del término sound-videoArt en inglés responde a la utilización de ese lenguaje internacional que se ha globalizado en todas las disciplinas técnicas que se consolidan en el mundo sociopolitítico y cultural. Resulta muy lógico pues, que la naturaleza de la creación artística no sea ajena a esta mediatización anglosajona, aunque el término siempre se puede trasladar o traducir perfectamente a otros términos idiomáticos que se correspondan a cada espacio geográfico o al contexto cultural que desee utilizar su código como señal de identidad, pues la idea y el significado no debería sufrir ninguna alteración.

derrière la nation de Véronique Hubert, 2016
Técnica mixta sobre papel- 30x40 cm
http://veroniquehubert.com/

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ACTIVA’2017
online | http://www.kaosart.org/ACTIVA/2017/ACTIVA-2017.htm

-Sergio Blardony & Marta Azparren - Tracto, 2012
PAL – 3:4 | 04:58 | from Madrid, Spain.
website > www.sergioblardony.com  &  www.martaazparren.es

sound created by Sergio Blardony
video created by Marta Azparren 
ob-art produccion

Endoscopy inside a bass saxophone. "Tract is the image of an inert place, which when touched, it becomes an organic center, a confluence of the dry and the moist, the perfect and the throbbing, the calculated and the unpredictable. Is a journey through an interior preserved, the path through the dark cave whose holes arises breathing, halite and noise. " (Pilar Martín Gila)
Endoscopia/ viaje por el interior de un saxofón bajo. "Tracto es la imagen de un lugar inerte que, al ser tocado, se transforma en centro orgánico, confluencia de lo seco y lo húmedo, de lo perfecto y lo palpitante, de lo calculado y lo imprevisible. Es el viaje por un interior preservado, el recorrido por la oscura gruta de cuyos orificios surge la respiración, el aliento y el ruido." (Pilar Martín Gila)
Intérprete: Andrés Gomis Sonidos grabados con un saxofón bajo marca Selmer Serie II.
e-mail: sblardony@quomusic.com | martazpa@gmail.com

-Francesca Leoni & Davide Mastrangelo - Equi-Librium, 2014
PAL – 16:9 | 04:30 | from Forli, Italy.
website > www.leonimastrangelo.com

sound created by Francesca Leoni
video created by Francesca Leoni & Davide Mastrangelo

Equi-librium. A latin word that is composed by “equi” (same) “librium” (weight). But what is the real meaning of that word inside one self, inside a couple, inside a space? How can the chaos become equilibrium? This is a work about the search of equilibrium.
e-mail: francescaleoni@yahoo.com

 

-SONOLOGYST & CESAR NAVES - MONOTAPE, 2015
PAL – 16:9 | 04:30 | from Napoli, Italy & Langreo, Spain.
website > https://sonologyst.bandcamp.com/ | http://noterustas.blogspot.com.es/

sound created by SONOLOGYST
video created by CESAR NAVES

... Etc.
e-mail: rapezzel71@yahoo.com | cesar.m.naves@outlook.es

-Noise Research & David Anthony Sant - Driven, 2013
PAL – 4:3 | 04:36 | from Cley next the Sea, Wales & Sydney, Australia.
website > https://electronicmusik.wordpress.com/ | https://vimeo.com/davidanthonysant

sound created by Noise Research
video created by David Anthony Sant

Sydney’s round-the-clock urban thoroughfare. Australia’s first inner-city highway. A twenty three kilometre stretch of tarmac and concrete lined with motor industry retailing and servicing that professes in no uncertain terms the sovereignty of the motor car. Exposed as a tangle of pollution, noise and drudgery in daylight, but at night transformed into an erratic landscape where darkness is punctured with floodlights and fleeting headlights.
e-mail: explode100@hotmail.com | kimsant@pnc.com.au

-Marc Vilanova - Saxophone Miniature , 2015
PAL – 16:9 | 01 :16 | from BCN, Spain. / Basel, Switzerland.
website > www.marcvilanova.com

sound & video created by Marc Vilanova
Recording: Luc de la Salle

Saxophonist Marc Vilanova’s work is focused on the exploration of the instrument, as well as ongoing research into new sounds, techniques and expressions connected with technology and other arts. His primary interest is to open new sound spaces that invite the audience on an inner voyage. Silence, quiet music, contemplative performance and delicate atmospheres are the paths of his exploration.

e-mail: marcvilanovapinyol@gmail.com

Guest Artists

-Anaïs Lelièvre - CLOC lava en Islande, 2016
DVD HD 16:9 | 03:06 | from Paris, France.
website > www.anaislelievre.com

CLOC is embodied by Amanda Billberg, Kae Ishimoto, Anaïs Lelièvre and Bastien Lemaître. 
Sound recording : Simon Whetham.

CLOCS are sculptures in incessant metamorphoses, improvised performances which interact with all contexts, undefined beings who rediscover the world apart from established benchmarks. CLOCS are piles of used clothes, sewn to one another with elastic links, to the point of forming an enveloppe that bodies below wear as their skin and make alive. These relational membranes, folded and unpredictable, adapt to varied situations, recreating each time a surprise. Form of life hatching and becoming, CLOCS are also a matrix which create multiple reactions for passers. They appear suddenly at the bend of alleys and other common nooks to renew and question our way of existing in the public space, of meeting the other, and cohabiting with him. 
Anaïs Lelièvre lives in France, in Paris and in Marseille. She studied art in the University Paris 1 and in Beaux-Arts in Rueil-Malmaison and in Rouen. She creates drawings, installations, sculptures and also the sculptures-performances CLOC.
e-mail: anaislelievre.cloc@gmail.com

- Salome MC - Concelment | حجب | 2013
DVD PAL – 16:9 | 01:47 | from Tehran, Iran.
website > www.salomemc.com
sound & video created by Salome MC
Time and again we reveal, just to show another layer of cover 
Time and again we seem to conceal, but we are baring our soul tower.

Salome Mc is an Iranian Hip hop and multi-media artist. She has released three Hip Hop albums online, along with self-made music videos and gained recognition as the first female rapper of Iran. She added experimental audio/visual art projects to her field of work after moving to Japan, and had various performances, Exhibitions and screenings in around the world. She has a bachelor’s degree in textile design from Iran and a master’s degree in audio/visual arts from Japan

e-mail: salome@salomemc.com

 

ACTIVA online
| http://www.kaosart.org/ACTIVA/ENTER-ACTIVA.htm

ARTEALTER' collection
http://www.kaosart.org/artealter-colection/arte-alter.htm

jaime Rguez / dirección y coordinación
http://www.kaosart.org/

El silencio - Escultura y libros de artista de Breza Cecchini, 2016
Bordado sobre tela - Videoinstalación - Site specific, Medidas variables
| brezacecchini@hotmail.com